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도로시의 성장 여행 / 월간 퍼블릭 아트 2007 9월호
my story in 갤러리 쿤스트라움
박이원의 전시는 한편의 동화와도 같다. 그 동화엔 비늘을 뒤집어 쓴 소녀가 있고, 날개와 물고기가 있고, 비늘을 씻어 내릴 샤워기가 있다. 그것은 마치 꿈속의 초현실적 공간에서 부유하고 있는듯한 느낌을 준다.
또한 여러 상징코드를 가지고 있는 그녀의 작품은 서정적인 시를 읽는 것처럼 잔잔하다. 인어이야기가 하는 한편의 모노드라마와 같다는 전시 소개의 글은 그녀의 작품이 관람을 넘어 행위하고 참여하는 공유공간과도 같다는 찬사를 했다 정말 그럴까? 그녀의 작품들이 일정한 스토리를 가지가 있다는 것은 확실하다. 캔버스에 표현된 비늘들과 캔버스 천을 오려 붙인 입체날개, 그리고 직접 캔버스 천을 가위로 오려서 캔버스 천으로 만든 원피스 옷에다 붙인 퍼포먼스까지, 그녀의 작품들은 일련의 결말을 향에 내달린다.
물론 그녀의 작품이 세련되거나 높은 완성도를 보여주진 않지만 일러스트적이 감성으로 관객들에게 잔잔한 이야기를 전달하고 있음은 사실이다.
오즈의 마법사의 주인공도로시의 빨간 구두를 모티브로 한 작품의 내러티브는 자신과 자신의 집을 찾아가는 여행의 과정을 보여준다. 그것은 성장 드라마와도 같다. 그녀의 작품엔 비늘을 벗어버리고 싶은 욕망과 그것을 더욱 지키려는 갈등 사이에서 생겨나는 자신의 내면적 감정들이 섬세하게 표현되어 있다. 물고기에게 날개를 달아 현실을 벗어나게 한다거나 자신의 빨간 심장 아이콘을 목걸이로 만들어 목에 걸고, 샤워기의 물에 자신의 비늘을 모두 씻어 버리고자 하는 솔직함은 그녀의 작품을 바라보는 관객들의 마음을 따뜻하게 만든다. 그것은 마치 영화 ‘아멜리에’의 주인공이 물이 되어 녹아 내릴 때의 감동과도 흡사하다.
사실 작가의 고백은 예술가로써의 자아에 초점이 맞춰져 있는듯하다. 자신을 벗어나는 것, 의미를 좀더 확대하여 회화를 벗어나고자 하는 욕망은 도로시가 자신의 집으로 돌아가고자 하는 열망과도 같다. 또한 그것은 상상력 가득한 소녀적 감성에 자신을 놓아두고 싶은 희망이기도 하다. 캔버스를 찢는다는 것이 회화를 벗어난다는 의미보다는 반대로 회화에 더욱 집착함을 드러내듯이 그녀의 작품은 성장기의 그 소소한 유쾌함에 머무르고 싶음을 이야기한다. 그러나 그것은 애써 웃음짓는 유쾌함이다. 자신만의 자아 찾기에 빠져있는 그녀의 작품은 아기자기하지만 사회와는 격리되어있는 내면적 감수성에 대한 이야기이다. 여리고 세심한 소녀적 감성을 강조하는 그녀의 작품이 꿈을 상징하는 날개와, 비늘, 눈물방울들로 가득 차있는 것은 아마도 당연할지도 모른다. 동화 속 도로시의 빨간 루비 구두 굽을 세 번 마주치면 집으로 갈 수 있다는 희망은 언제나 유효하지만 애써 외면하고 싶어 하는지도 모른다. * 백 곤 미학
The exhibition of Yiwon APRK is like a series of fairy tales. There is a girl who is wearing scales: there is a wing and a fish, and a shower, which can wash the scales off. It gives the feeling of floating in a surreal space in our dreams. As well, there are various symbolic codes in her work. It is very [peaceful and clam just like we are reading a poem. The prologue, which is just like one monologue about the mermaid, praises her work by saying that it’s not onl y making people want to be a spectator but also making them want to participate in it. Could this be true? It’s quite obvious that there is regular pattern to the stories in her works. Her works consistently head towards a conclusion on canvas. For example, scale, three- dimensional wings and a dress made from the cloth of the canvas, seemingly disparate elements, all lead to a cohesive conclusion. Even though her works are not considered as high art to sophisticated, it is a fact that she gives us messages with her illustrative sense. The narrative of this work that is inspired by the Dorothy (who is the heroine in ‘Wizard of OZ’) shows us the process of the journey to find her home and herself. This is just like a growth journey drama. It delicately expresses the conflict between the desire to take off her scales, and at the same time, wanting to keep them strongly on her. Straightforwardness such as attaching the wing to the fish thereby helping to escape reality, wearing a necklace which is the icon of her heart, and washing all the scales off with the shower, make spectators fell so warm. This is quite similar to the impression we’ve got from the movie “ Amelie” as she melted in the water. In fact, it seems that the focus of the artist is on herself as an artist. Escape from herself, if I use the term in a board sense, the desire to escape from the picture is the same as the wish that Dorothy had to go back home. Moreover, that’s a hope that she gave herself as a girl in her teens, when he was full of imagination. Her works tell us about wishing to stay cheerful like she was when she was young, as if tearing the canvas doesn’t mean escaping from the picture, on the contrary, it means sticking more to the picture. Actually, that’s just a feigned smile. Her works tell us about the inner sense of looking for an ego that is harmonious, but isolated from society it may be obvious that her work is full of wings ( a symbol of dreams), scales, and tears to emphases her delicate and meticulous sensibility. In the Wizard of OZ, Dorothy clicks her ruby-red heels three times, in the hope that she can go home. This hope of escape is available to us at any time, but we may want to ignore it.
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인어이야기
비현실적 동시성의 이야기로 들리는 박이원의 회화와 설치는 혼자서 극을 이끌어가는 연출되지 않은 한 편의 모노드라마를 연상시킨다. 때문에 작가 박이원에 의해 사용되어진 비현실적 동시성의 메타포는 관객으로 하여금 그림을 관람하는 것이 아닌 무엇인가 행위-참여하게 하는 시간, 공간적 동일함을 함유한다. 날개-꿈, 비늘-허물, 그리고 알 수없는 눈물-환희의 세계로 안내하는 배우의 독백처럼 그녀는 자신의 평범하지 않은 일상에 몰입한다. 그래서 그냥 바라보다가 가끔은 극 속으로 관여하고 싶은 충동에 사로잡히는 어떤 충족감(동일시)을 바라는지 모른다. 배우와 관객의 호흡이 같을 수뿐이 없는 모노드라마의 매력처럼 말이다.
극은 이야기하려는 본질과 이야기 되어진 이미지의 구조 속에 각본 없는 대사를 읊거나, 행위 하거나, 상상하는 기의(記義)들의 공간속에서만 관객과 조우한다. 물론, 그 공간은 현실적인 공간은 아니지만, 현실의 존재감을 느끼기에 충분한 소도구들이 이미 준비되어 있다. 때문에 우린 그의 작업에서 현실(극)과 비현실적(배우)인 이야기들을 이야기(상상) 할 수 있게 되는 것이다. 또한, 차분히 박이원의 연기를 보고 있으면, 그녀의 그림이 왜 현실적이지 않은지 알게 되며 그리 쾌(快)하지 않을 수도 있을 소녀의 잔잔한 이야기가 관객의 가슴을 아프게 하는지 알게 된다.
파란 바탕의 세계로부터 인어의 슬픈 이야기는 시작된다. 비늘이 되어버린 허물은 벗어버리고 싶지만 벗어 버릴 수가 없는 현실이라는 것을 인어는 알고 있다. 사람도, 물고기도 아닌 모호한 존재감을 말이다. 여기서 벗어나고 싶은 충동을 작가는 심각하게 고민한다. 어떻게 허물을 벗어내야 하는지.
작가는 우선 자신의 심장을 꺼내 보인다. 왜 꺼내 보이며, ‘이건 내 심장이야?’라고 솔직할 수 있을까? 혼자라면 가능하지 않을까? 마치 거울속의 자신을 타인으로 인식하듯 말이다. 아니면, 뭔가를 암시하는 행위는 아닐까! 죽음을 바라보는 시인의 독백처럼 힘없이 진실을 이야기 한다. 그리고 바로 추락하고 만다. 비상의 날개 짓이 아니라는 게 너무 선명하게 보여 지기 때문이다. - 암전 그리고 정적이 흐르면 1막이 끝난다.
음악이 고요하게 흐르고 무대는 서서히 밝아온다.
한 마리 물고기가 자신만의 세계에서 즐거움을 만끽한다. 행복하게 물과 물 사이를 유영하지만 그 세트(set)는 너무 작아 보인다. 혼자인 것도 그리 행복해 보이지 않는다.
음악이 고요하게 흐르고 무대는 서서히 어두워지며 2막이 끝난다.
가장 순수하다는 옥(jade)비늘을 팔아서일까? 이제 인어는 사람이 되었을지 모른다. 배우는 보이지 않고 샤워하는 장면만 보인다. 무대는 음악도 없고 빛도 화려하지 않다. 언젠가 이었을 바다를 그리워하며 물방울은 눈물을 만들어 낸다. 갈증이 해소는 되겠지만 슬픔으로, 외로움으로 마시는 음료수는 그녀에겐 역시 눈물일수 뿐이 없다. 하늘에서도 구름에서도 어디에서도, 그녀가 왜 우는지 아무도 모른다,,,,! 단지 행위가 일어나고 있는 현장만이 무대를 이야기한다.
슬픈 인어의 노래가 흐르고 무대는 암전되면서 3막이 끝난다.
배우와 관객 모두 울 뿐이다. 거울 속에서 말이다.
박이원의 솔직 담백한 그림이 전해주는 이야기는 슬픔 그 자체로 와 닿는다. 혼자 그림을 그리고 혼자 그림과 이야길 한다. 관객과 배우가 동일한 시각에 무대와 객석에 있듯, 시공간을 동일하게 소유하고 있다는 이유 하나로 배우와 관객은 하나가 된다. 비현실적 동시성인 작가의 메타포는 상상이라는 개개인의 철학적인 사고의 이야기가 아닌 삶을 이해하고 그대로를 상상하는 다수의 현실적인 메타포일 수밖에 없다. 그래서 작가는 스스로에게 각자의 허물-비늘을 벗겨내자고 연기하는지 모른다. 과거에서 현재를 이야기하듯, 박이원의 작업은 지금 그려지는 언어들을 지금 이후의 동시성으로 연출되어지길 무대에서 보여주는 것이다. 인어가 보는 소녀의 아픔을 상상하면서.
Director kunstyoun
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A tale of mermaid
Yiwon Park's paintings and installations heard as a unrealistic tale of simultaneity bring up the image of a mono drama Which is not directed in advance.
So the unrealistic simultaneous metaphor used by Yiwon Park includes the space-time identity which the audience acts and participates in, not mere watches the paintings.
Like a actress's monologue guiding to the world of wing-dream, scale-skin and unknown tear-joy, she indulges herself in the unordinary daily life.
So it seems that the audience feels the impulse to participate in the act and expects the satisfaction (identity) watching it like a monodrama which the actress and the audience feel the simultaneous breathing.
The play meets the spectator onl y in a essential story and in a space of reciting a unwritten script, acting and imaginary space in the frame of image.
Though the space is not real space needless to say, there are enough props prepared to feel the real existence.
Therefore we are able to talk(imagine) the real(play) and unrealistic(actress) stories in her works.
Watching her play quietly, we can also recognize why her paintings are so unrealistic and why a girl's unenjoyable calm stories make the audience sad.
The mermaid's sad story starts on the blue background world.
The mermaid knows she is long for getting off the skin turned into the scale but can not and recognize herself as a ambiguous being, not human nor fish.
She anguishes over the pulse of getting off and how to taking off the skin.
First she takes her heart out and shows.
Is she able to say frankly "This is my heart"?
Is it possible in case of alone?
As if she recognizes herself in the mirror as another being.
Or is it the act implying some?
She says the truth helplessly like a poet's monologue watching a death.
And she falls to the ground right away.
Because it's shown so clearly that it's not flying up to the sky.
- A dark change and the act one draws down the curtain.
Music sounds quietly and the stage is brightened.
A fish is enjoying in her own world to the full.
Though she swims happily water, the set seems to be so small.
Being alone seems not so happy.
Music sounds quietly and the stage becomes dark slowly and act two is finished.
Now the mermaid may have become the human because she sold off the most pure jade scale.
The actress is not shown and onl y a shower scene is shown. No music and onl y a glimmer can be seen on the stage.
Missing the ocean, a drop of water makes a tear.
Though it relieves her thirst, drinking a drop of water with sadness and loneliness left her onl y tears.
Nobody in the sky, crowd or anywhere knows why she is crying. Onl y the scene where the act is happening talks the stage.
A sad mermaid's song sounds and the stage becomes dark when the act two is finished.
The actress and the audience do nothing but cry in the mirror.
Yiwon Park's stories which her candid and bland paintings tell get in touch with sadness itself.
She draws and talks with the paintings by herself.
Like the audience and the actress stand on the stage at the same time, they come together with a reason that they possess the same time and space.
The artist's unrealistic simultaneous metaphor has no choice but the realistic metaphor of the majority who understands the life and imagine the life itself not the story of philosophical contemplation of each person.
So the artist may have acted to say people get off their scales and skins.
As if telling from the past to the present time, Yiwon Park's works show the drawn languages on the stage hoping to be directed as simultaneity in the future.
Imaging the mermaid watching a girl's pain
Director kunstyoun
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박이원의 Metamorphosis ● 오비디우스의 『변신 Metamorphosis』에서 최고신 쥬피터는 미소년 가니메데스를 유혹하기 위해 독수리로 변하기도 하고, 레다를 유혹하기 위해서 백조로 변하기도 한다. 아폴로 신의 사랑을받은 히아킨토스는 죽어서 한 송이 흰 히야신스 꽃이 되고, 아테네 여신과 길쌈 솜씨를 겨룬 아라크네는 거미로 변하는 천형을 받는다. 허황스럽지만 유쾌하기 그지없는 오비디우스의 상상력은하늘과 땅, 동물과 식물, 인간과 자연현상을 가로지르는 자유스러운 변신과 변성의 과정을 보여준다. ● 박이원의 작업은 눈동자에서 물고기로, 유선형의 비늘에서 깃을 세운 여성의 드레스로 자유로운 변성의 과정을 보여준다. 물속에서 유연하게 헤엄치는 물고기를 바라보는 박이원의 눈동자는그 자체로 물고기가 되었다가 캔버스 천으로 만든 드레스 위에 내려앉는다. 두 개의 머리를 가진 물고기 형상의 드레스는 하나 하나가 작은 물고기 모양의 비늘로 구성되어 있고 그 위에 초현실적인 박이원의 눈이 새겨지는 것이다. ● 사물에 대한 신선한 상상력을 담지한 박이원의 눈이 작업실의 캔버스를 마주할 때 회화는 연금술적 변성과정을 거치게 된다. 우윳빛 캔버스 천은 유선형의 단위체로 오려져 거대한 물고기 모양의 드레스가 되고, 겉옷을 상실한 캔버스 뼈대는 부조 작품을 구성하는 선이 된다. 이질적인 재료와 형상들간의 낯선 만남 속에서 초현실적인 변성과정이 이어지고 박이원의 상상력은 이렇게 꼬리에 꼬리를 물고 확산된다. 재료와 형상간의 부조리한 만남은 종이로 만든 갑옷이라는 작품으로 이어지고 잔뜩 힘이 들어간 견고한 갑옷의 실체는 가볍기 그지 없는 종이의 허구로 폭로된다. ● 세상에 대한 초현실적인 상상력의 발현. 이것이 젊은 작가 박이원의 작업을 생생하게 물오르게하는 원동력이다. 그는 모든 친숙한 것에 대한 낯설게 바라보기의 작업을 제안한다. 사람의 눈을 갖고 있는 물고기의 형상은 유선형 도상에 기초한 자유로운 상상력과 유기체적인 변성의 과정으로 이어진다. 초기 기독교 시대 물고기 도상은 비밀스런 신앙의 고백이었고, 고래 배 속에서 살아 나온 요나는 그 자체로 부활을 의미한다. 반면 인간의 눈을 달고 있는 박이원의 물고기는 자유로운 변성과정을 거친 그 자신의 자화상이다. 물 속에서 자유롭게 헤엄치는 물고기를 바라보는 박이원의 시선은 가상의 변성과정을 통해 물고기 형상의 자화상으로 투영되고 그 지점에서 박이원의 상상력은 날개를 달고 증식된다. ● 분해된 박이원의 캔버스 작업을 형식주의적 관점에서 읽는 것이 가능하다. 그러나 그의 작업을현대미술에 있어서 캔버스 작업의 의미를 되묻는 심각한 비판작업으로 읽는 것은 물고기처럼 생생하게 헤엄치는 그의 자유로운 상상력을 오히려 상쇄시키는 결과가 된다. 마치 오비디우스의 옛 신화가 믿기 어렵지만 유쾌하기 그지 없는 상상의 세계를 열어주는 것처럼 박이원의 신선한 시각이 현대미술의 경직된 담론으로 국한되기보다는 모든 현실의 경계를 넘어 자유롭게 뻗어나가 한편의 장대한 서사시로 꽃피기를 기대해 본다. ■ 권영진
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