<미술관의 미술활동>


가. 작품제작

미술에 있어 학생들은 참여의식과 함께 호기심을 유발하여 새로운 것을 경험하고 발견함으로써 많이 경험하고 배운다. 미술관에서 전시실마다 걸어 다니면서 작품감상을 하는 것도 중요하지만 그러한 작품을 이용한 학습안을 마련하여 직접 작업하는 가운데 작가의 의도나 작업과정 조형원리, 조형미를 배우도록 배려해야 한다.

예를 들면 독일 하노버 슈프렝겔 미술관의 Udo Liebelt가 시도한 국민학교 학생들을 대상으로 한 예술과 삶의 관계를 적절하게 표현했던 브라질 인디언에 대한 옛날 오두막집은 매우 좋은 작업이라고 본다. 미술관에 소속된 커다란 작업실에서 브라질 인디언들이 그들의 고향집(OCAS)을 버리고 대도시로 이주, 버려진 쓰레기를 이용하여 빈민가에 오두막을 짓고 사는 것을 상징적으로 표현해 낸 이런 학습안은 학생들에게 사회성이 짙은 문제의식과 함께 버려진 나무와 헌 옷가지를 재료로 오두막을 세움으로써 흥미와 관심을 갖게 하고 단순한 조형 작업을 뛰어 넘어 역사공부와 건축, 디자인등 다방면에 걸쳐 공부를 하게 한 과제였다. 이런 작업은 학교 미술시간에는 전혀 엄두조차 낼 수 없는 것들로 미술관의 작업실에서 교사의 가르침과 학생들의 자율적인 참여와 협동작업으로 이루어진 활동은 학생들에게 자신감과 창의적인 생각을 갖게 한다.

이러한 미술관 교육은 미국에서도 활발하게 이루어지고 있다 뉴욕의 Museum of Modern Art의 Victor D'Amico는 아동과 미술품이 미술관 교육의 중요 기능으로 보고 (Children's Carnival of Modern Art(현대미술관의 아동축제 )라는 프로그램을 개발, 학생들에게 작업실에서 동기부여와 영감을 이용한 작업을 하도록 하였다. 이러한 것은 John Dewey의 실용주의 철학에서 영향받은 것으로 Dewey는 예술에 있는 모든 경험은 통합적인 역할을 함으로써 완성되어진다고 보았다.

D'Amico는 학교에서 미술을 통한 표현기회를 제대로 부여하지 못할 때 미술판에서의 교육이 가능하다고 보고 미술관의 아동 프로그램은 주위상황이나 환경에 대한 아동의 느낌이나 감정들을 창의적인 상상력을 바탕으로 표현하게 하였다. 미술에 대한 교수는 일상생활과 관련있는 직접적인 경험을 바탕으로하며, 미술에 대한 기본적인 가르침은 아동의 창의적인 능력을 높이고 과거나 현재의 미술에 대한 안목을 높이므로 미술관교육자는 실험적인 교수법을 개발하여 아동미술교육에 활용해야 한다고 보았다. D'Amico는 미술교육은 자유로움과 창의적인 미술경험, 열린 교수법으로 더욱 개발 될 수 있으며 "모든 아동은 참된 작가다"라고 보았다. 이러한 개념은 모든 아동들에게는 잠재적으로 창의적인 사고와 감수성을 가지고 있음을 시사하는 것으로 다양한 학습안을 개발하여 아동들이 가지고 있는 창의적인 표현력을 풍부하게 하면서 개개인의 개발을 중시함을 말한다.

나. 자기표현

그림을 잘 그리려는 것이 목적이 아니라 다양한 재료를 통하여 자신의 생각과 느낌을 표현하는 것이다. 우리나라는 일반적으로 학교의 미술수업보다는 미술학원이 발달함으로써 기이한 현상을 보여주며, 미술학원에서 이루어지는 미술수업은 학생개개인의 창의적인 표현력 보다는 Technique나 Skill 에 치중함으로써 미술교육에서 중시되어야 할 미술감상, 미술비평, 미술사 등은 등한시되고 있으며 이로 인하여 미술교육의 불균형을 가속화한다. 그 한 예로 미술대학에 있는 대부분의 학생들은 사물을 그릴 줄 알아도 자신이 완성한 작품에 대한 평가나 미학적 접근외에 미술사적 측면에서는 많은 어려움을 겪는다. 이와 함께 중, 고등학교에서의 사실적인 작품묘사의 치중과 미술대학에 대한 획일적인 실기입시는 감정이 풍부하고 감성이 예민한 학생들에게 잘못된 예술관을 심어 주기가 쉽다. 예술이란 단순히 사물을 묘사하는 것이 아니라 사물을 통한 자신의 느낌과 생각, 감정 더 나가서는 사물의 실재를 표현하는 것이다

조선시대 말 전기의 산수화에서 보여지는 유연하면서도 힘찬 선에 의하여 사물이 재현되어지는 것은 작가가 자연을 그대로 그리려 한 것이 아니라 작가와 자연이 하나가 되어 무심(無心)으로 사물을 그린 것으로 이런 작품은 사물의 외적인 상황보다는 사물의 본질적인 것을 표현한 것이다. Henri Matisse는 그의 작품을 통하여 이미지를 단순화 시켜 삶의 즐거움이나 기쁨 등을 표현 하였는데 그는 색이 갖고 있는 느낌을 표현한 것이 아니라, 그가 느낀 감정들을 색을 통하여 표현하였다.

Pablo Picasso는 다양한 작품 활동을 한 작가이지만 (Guernica(게르니카))는 스페인의 내란을 통하여 일어났던 민중에 대한 학살을 고발 형식으로 표현한 것이다. 그는 신문에 난 사진을 통하여 영감을 받기보다는 상상력을 동원하여 상징적, 비유적
으로 사건을 표현하였다. 예를 들면 작품의 왼쪽 중간에 엄마가 죽은 아기를 안고 있는 것은 기독교에서의 박해 또는 학살을 의미하며, 횃불은 자유를 상징하고 밑에 칼을 부여잡은 손은 저항을 의미한다. 소와 말은 스페인을 의미하는 것으로 말은 민중을 표현하고 소는 어두움과 잔인함을 표현한다. 작가의 창의적인 표현에 의하여 우리는 전쟁의 참혹상을 알게 되고 민중들이 무엇을 원하는지 알게 된다. 예술은 이와같이 상징적인 표현에 의하여 전달 매체의 역할을 훌륭히 해낸다. 위에서 살펴 본바와 같이 미술교육은 단순히 사물을 묘사하는 과정에서 벗어나 조형적인 활동을 하게 함으로써 학생들에게 자기표현을 하게끔 하는 것이 좋다.

다. 작품감상 및 비평

Cleveland Museum의 Thomas Munro(1901-1973)는 미술과 미술관 교육자의 역할은 중개자인 동시에 촉매자이며 교사라고 보았다. 그의 미술교육 프로그램은 개개인에게 미술관 작품의 구성 요소들을 알게 하고 복잡한 미술품의 부드러운 특성과 함께 세부적인 것을 감지하도록 하는 것이다. 미술품에 대한 미술사적인 것은 미술관 밖에서 행해질 수 있는 것으로 미술관에서는 개개인의 작품을 보는 관점을 중시한다.

그는 학생들에게 작품을 본 후 느낀 소감을 글로 적게 하거나 스케치를 하게 함으로써 다음 실기 시간에 응용하도록 하거나 작품에 대한 것들을 언어로 표현하게 함으로써 미술비평도 겸행 하였다. 이러한 방법은 미술관에서의 창의적인 표현력외에 미학적 교육까지 할 수 있는 획기적인 것이었다.

Munro는 미술관에서의 미술교사와 미술교수법, 미술비평이 매우 중요하다고 보았으며, 영향력있는 교사는 학생들에게 좋은 작품을 보도록 유도하며, 좋은 작품은 미술사적 측면과 함께 예술적, 미학적 특성을 감지하게 하는 것으로 보았다. 학생들은 제한된 안목으로 작품을 보지만 능력있는 미술교사에 의하여 그 효과를 높일 수 있다고 본 것이다.

다시말하면 Munro는
1. 미술의 본질적 요소는 무엇이며, 그것의 형태와 상호관계는 무엇인가?
2. 수업에서 미술적인 특성을 살리는 교수법은 무엇인가?
3. 어떻게 개개인의 미적 감수성을 개발할 수 있으며, 창의적이고 감상적인 경험을 한 교수법으로 이것을 자극할 수 있는가? 이러한 세가지를 중점적으로 미술감상 시간을 이끌어 갔다.

미국의 미술교육 학자인 Edmund Feldman(1970)은 미술감상과 비평에 대하여
1. Description(서술)
2. Formal Analysis(분석)
3. Interpretation(해석)
4. 　Eval　uation 또는 Judgement(평가)를 언급하였다.

서술은 작품에서 보이는 내용을 서술하는 것이며, 분석은 색과 색, 색과 선, 형태와의 관계를 분석해 들어가는 것으로 해석은 그러한 것에 의하여 자기가 보는 주관점을 중심으로 하여 표현하는 것이며, 평가는 좋다. 나쁘다, 마음에 들다 등을 구체적으로 설명하는 것이다.

뉴욕의 Museum of Modern Art에서는
1. Perception(지각)
2, Analysis(분석)
3, Speculation / Interpretation(추측,해석)을 중심으로 하여 작품감상을 한다.

지각은 작품을 통하여 시각적으로 보여지는 것에 대한 서술을 의미하며, 분석은 색, 선, 공간, 구도, 규모, 재료, 방법등에 구체적으로 분석하여 들어가는 것이며,추측 해석은 작가의 표현방법을 나름대로 해석하는 것으로 작품과 제목과의 관계도 알아본다. 이러한 방법은 사실상 미술품을 이해하는데 많은 도움을 준다. 이러한 미술수업은 작품에 대한 지각력, 분석력, 관찰력, 상상력, 표현력등을 공부하는 중요한 요소로써 특히 작품에 대한 미적 관찰이나 조형미등을 살펴보는 것은 미술교육에 있어 실질적인 것으로 단순히 미술관에 와서 작품을 보았다는 수준에서 벗어나 작품을 관찰하고 보고 느낀 점을 서로 교환하면서 자신의 생각을 고찰시키는 교수법은 학생들에게 미술품에 대한 긍정적인 사고를 갖게 한다.

대학에서 공부하는 많은 미술학도들이 그림은 열심히 잘 하면서도 그림을 볼 줄 아는 안목이 결여되어 있는 것은 중, 고등학교의 미술 교육에 있어 감상, 비평부분이 제대로 이루어지지 않음을 시사한다. 미술교과서를 통한 단순한 지식 주입 위주의 미술감상이나 비평은 학생들에게 부여하는 예술성이란 과연 무엇이며 이들 작가들이 추구하는 조형미란 무엇인가? 초, 중, 고등학교의 미술수업을 통하여 이러한 것을 체계적, 연계적으로 이해시키고 작품을 볼 수 있는 눈을 길러 주는 것은 필요한 것으로 대학에 가서도 좋은 창의적인 작품활동을 하도록 교육적인 측면에서 연구가 뒤따라야 한다.

학교 미술수업에서 필요하면서도 병행 되어지지 못하는 이러한 수업을 미술관에서는 실제 작품을 통하여 감상교육을 시킴으로써 학생들에게 새로운 생각과 상상력을 고취시키고 학생들의 창작활동에 도움이 되게 한다. 작품을 보고 느끼는 여러가지 생각들은 학생들에게 생각할 수 있는 기회를 부여하고 지각력, 관찰력, 상상력을 키워준다.

이러한 창의적인 지식들은 미술관에서의 미술감상이나 비평, 평가 등의 경험에 의하여 강화되고, 미학, 미술사, 미술비평등의 통합적인 개념을 활성화시킨다. 일반적으로 작품에는 작가의 예술적 감성 외에 시대적, 사회적, 문화적, 종교적, 환경적인 요소들이 들어가 있으며, 따라서 작품을 통하여 미학적 교육 외에 오늘날의 작품 경향이나 세계의 미술사조의 흐름을 알 수 있을뿐더러 다양한 예술 형태는 개개인의 개성을 나타내주는 수레바퀴와 같은 것으로 이런 작가들의 다양한 예술 형태들을 경험하고 공부하는 것은 중요한 일이다. 실제 작품을 보고 학생들에게 반응하라고 하면 상투적인 표현에서 벗어나 활기있는 반응을 보이면서 전혀 예기치 않던 창의적인 사고를 한다. 그러므로 미술관을 통한 실제 작품과의 교류는 매우 필요하고 중요하다. 미술비평은 작품을 통한 언어의 표현을 의미하는 것으로 이것은 실기를 통한 미술적인 표현과도 일맥상통한다. 미술비평에 있어서는 내용과 함께, 배우는 학생들의 반응 및 표현력을 중심으로 한다.

국립 현대미술관 교육담당 학예원에 의하면 "많은 중, 고등학교 학생들은 미술관에서 마련한 일주일간의 프로그램 중에서 표현시간의 자유롭게 표현하는 방식에 학생들은 즐거움과 동시에 이질감을 느낀다"고 말한다 근원적인 이유는 학교에서의 미술수업이 형식성에 치우쳐서 미술이 갖고 있는 본질적인 요소들을 수용하지 못하거나 교사의 안일한 수업 방식과 대학 입시제도등 여러가지 이유로 인한 것이다. 물론 초, 중, 고등학교의 점차적인 미술교육의 중요성과 참된 미술교육이 이루어지도록 지속적인 노력과 연구가 뒤따라야 되겠지만, 국립현대미술관에서도 이런 현실성과 제도적인 면을 참작하여 교육 프로그램을 활성화 시키고 국민학교 학생들에 대한 미술 프로그램도 개설해야 할 것이다.